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El mandarín maravilloso 

Tres delincuentes utilizan a una hermosa joven para seducir y atraer hombres con el fin de asaltarlos y robarles. El primero resulta ser pobre, el segundo también, el tercero es un mandarín que parece ser un buen partido, pero al caer en la trampa, ningún acto de violencia logra acabar con él, y su deseo por la muchacha lo mantiene con vida incluso tras ser apuñalado. Solo cuando la joven cumple su deseo y le entrega su amor, el mandarín finalmente muere en sus brazos. 

El castillo de Barbazul 

Judith, movida por el amor y la curiosidad, sigue a Barbazul hasta su castillo, donde descubre siete puertas cerradas. A medida que las abre, cada una revela un aspecto del alma de Barbazul: una sala de torturas, un arsenal, un tesoro, un jardín, un vasto reino y un lago de lágrimas. Al llegar a la séptima puerta, la verdad sobre su amado se desvela: tras ella se encuentran las anteriores esposas de Barbazul, condenadas a vivir en la penumbra eterna. Judith, atrapada por su destino y su deseo de redimirlo, se une a ellas mientras Barbazul queda solo en la oscuridad, resignado a su soledad perpetua. 

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Iris es una joven ingenua que atrae la atención de un noble, Osaka, que la rapta para llevarla al barrio de Yoshiwara, a un lujoso apartamento. La joven piensa que está soñando o en el Paraíso. Osaka tiene la intención de seducirla, pero sólo consigue aterrorizarla. 

Osaka se cansa pronto de la aventura y de la simplicidad de Iris. La deja en manos de Kyoto, un proxeneta. Éste la lleva a su burdel donde es maldecida por su padre, y llena de vergüenza, se tira a un pozo. 

Su cuerpo irá a parar al desagüe de las cloacas, donde un rayo de sol ilumina las ropas en las que está envuelto su cuerpo. Iris renace, medio moribunda. En su delirio oye las voces de su padre, de Osaka y Kyoto. Todos le hablan de la brutalidad de la vida. El sol sale y proclama su amor infinito. Iris muere en medio del resplandeciente sol, transformándose en la flor que tiene su nombre. 

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Farnace, Rey del Ponto, ha sido derrotado y para evitar caer en manos enemigas, ordena a su esposa Tamiri que mate a su hijo y se suicide. La madre de Tamiri, Berenice, odia a Farnace y conspira con Pompeyo, el general romano, para matarlo. Selinda, la hermana de Farnace, es prisionera del Romano Aquilio, que se enamora de ella al igual que el capitán de Berenice, Gilades. Ella los confronta para así poder salvar a su hermano. Al final todo termina felizmente.

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Durante una tormenta, el general Otello regresa victorioso a casa con su joven esposa Desdémona a la que ama con locura.  Allí se ve atrapado en una perversa conspiración urdida por el alférez Iago, que está dispuesto a hacer cualquier cosa para destruirle. Iago aprovecha su estrecha relación con Otello para hacerle creer lo que ya cree todo el mundo: que no es posible que una dama así se pueda haber enamorado de alguien como él. Iago proporciona pruebas falsas de la culpabilidad de Desdémona, avivando la ira de Otello, quien devorado por los celos repudia públicamente a su mujer y la estrangula en su cama. Cuando descubre la verdad, Otello se apuñala hasta la muerte.

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Esta ópera recorre la cruzada liderada por Arvino y sus conflictos con Pagano. Giselda, prometida de Arvino, se ven inmersos en tensiones políticas y religiosas con la guerra santa como contexto.  

Con una profusión de decorados y emplazamientos dignos de la más lujosa producción parisina del momento, I lombardi se presentó triunfalmente en La Scala de Milán en febrero de 1843 con el propósito de revalidar el éxito cosechado la temporada anterior por Nabucco. Estas pretensiones explican la inclusión del coro patriótico «Gerusalem... Gerusalem...», una invocación a la Tierra Santa con reminiscencias del «Va, pensiero», entonada en esta ocasión por cruzados y peregrinos.

La trama, algo errática pero repleta de dramáticos giros, se sostiene gracias a una sólida partitura salpicada de enérgicas marchas y vibrantes concertantes y coloreada con un incipiente orientalismo continuador del practicado con anterioridad por Rossini, Donizetti o Meyerbeer. El libreto es también un reflejo de la compasión verdiana; su afán por humanizar sus personajes más oscuros –el parricida Pagano– y también de denunciar –a través de la incandescente aria de Giselda del acto II– las atrocidades cometidas por los cristianos en tierras sarracenas.

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Una apasionada historia de amor entre Violetta, una cortesana, y Alfredo, en París. Su felicidad se ve amenazada por la sociedad y la tuberculosis de Violetta, que la acaba matando. 

La muerte de la prima donna en el último acto de un melodrama romántico italiano exigiría, en circunstancias normales, una magnífica escena con coros, un lírico cantabile y una vibrante cabaletta. Verdi desestimó esta añeja fórmula ya desde su Nabucco, pero en La traviata dio un paso más audaz concediendo a su protagonista absoluta unos sencillos couplets a la francesa: la desoladora aria «Addio del passato» podría explicarse por la ambientación parisina de esta obra, pero el instinto dramático verdiano estaría subrayando también las diferencias de clase entre las «reinas» del melodrama romántico y esta mujer de carne y hueso, cuyo estigma la condena a una muerte solitaria y anónima, en un ejercicio de realismo teatral sin parangón aún en las décadas venideras.

Este emblemático título subirá al escenario del Real en la icónica producción de Willy Decker que no pudimos disfrutar en mayo y julio de 2020 a causa de la pandemia.

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La trama se desarrolla en un contexto exótico y colonial, centrándose en encuentros entre europeos y personas indígenas de diferentes partes del mundo. La ópera está dividida en cuatro actos, cada uno de los cuales presenta una historia independiente, aunque todas están conectadas por el tema central de los encuentros interculturales. Los actos están ambientados en Turquía, Perú, Persia y América del Norte, respectivamente, y exploran temas como el amor, la guerra, la diplomacia y la reconciliación entre diferentes culturas.

 Consciente de la decadencia del noble estilo lullyano, Jean-Philippe Rameau ensayó formatos de teatro musical híbridos entre la ópera y la danza que le permitieron eludir la rigidez de sus convenciones. En Las indias galantes (1736), el rigor de la tragedia cede ante la espectacularidad de las tramoyas –terremotos, erupciones volcánicas, multitudinarias ceremonias–, el hedonismo de la danza y el esplendor de las localizaciones exóticas, a través de cuatro episodios independientes que recorren, respectivamente, Turquía, Perú, Persia y Norteamérica. Al renunciar a la «alta cultura», Rameau produjo, casi sin buscarlo, la música de baile más excitante e imaginativa jamás compuesta en Francia hasta Stravinski.

En esta aclamada producción, la acción de esta fantasía barroca se traslada a un escenario urbano en el que una compañía de hip-hop –en su mayor parte afrodescendiente– borrará las fronteras entre el arte culto y el popular a través de un espectáculo lleno de energía.